Comienza con grafito sobre papel. El departamento de arte crea cientos de bocetos antes de escribir código o renderizar polígonos. Estos surgieron de discusiones nocturnas con escritores y directores, y las ideas caóticas finalmente se redujeron a un solo diseño. Una vez que se completa el diseño, los animadores se hacen cargo. Construyen los personajes en 3D en una computadora. En algunos casos, comenzamos esculpiendo un modelo físico de arcilla, escaneándolo y convirtiendo su forma en una estructura alámbrica digital. Este es un método de la vieja escuela en una industria de alta tecnología.
Modelar la figura estática no es difícil. Esto es geometría. Puedes modelar sillas, coches, rocas, etc. con relativa facilidad. Animarlos es un verdadero dolor de cabeza. El ojo humano es muy sensible a los movimientos antinaturales. Esta ilusión se rompe inmediatamente cuando los personajes caminan robóticamente o parpadean perezosamente. Toma caminar. No se trata sólo de mover las piernas. Implica balancear las caderas, los hombros, la cabeza y los brazos para mantener el equilibrio. Cada parte del cuerpo debe participar en un movimiento fluido. Si lo haces mal, es entrecortado. Si lo haces bien, te sientes vivo.
Para superar este problema, los animadores tratan a los personajes como marionetas con un esqueleto interno. Esto se llama modelo articulado. Los personajes se construyen sobre huesos y articulaciones que siguen una estricta jerarquía. Piense en su codo como una articulación superior. Controla la parte superior del brazo, el antebrazo y la mano debajo. Cuando mueves el codo, el resto sigue automáticamente. Es como tirar del hilo de una marioneta. No es necesario ajustar manualmente cada dedo o articulación. Cuando mueves la articulación, la jerarquía hace el resto.
Esta estructura hace que la creación de fotogramas clave y la interpolación sean mucho menos dolorosas. Los animadores no dibujan todos los fotogramas. Coloca a los personajes en posiciones clave, como el inicio, el pico y el final de la acción. Luego, la computadora completa los cuadros “intermedios”. Más rápido. Está más limpio. La cinemática inversa lo hace aún más fácil.
Veamos un ejemplo sencillo. Los animadores quieren que los personajes levanten la mano. Cuando se utiliza cinemática inversa, no se mueve el hombro, luego el codo y luego la muñeca. simplemente coloque la mano en la posición deseada. El software calcula cómo el brazo y el hombro deben girar y doblar los brazos y los hombros para llegar allí. Maneja la física. Las herramientas de animación modernas suelen venir precargadas con modelos de cinemática inversa para movimientos básicos como caminar y sentarse. Ajusta la configuración y tu personaje se moverá con naturalidad.
Y luego está la captura de movimiento. Este es también un pilar de la animación de personajes realistas. Un actor viste un traje especial lleno de sensores. Estos rastreadores se colocan en articulaciones clave como las rodillas, los codos, los hombros y la columna. Mientras el actor actúa, las computadoras registran cada uno de sus movimientos. Los datos se pueden utilizar de dos maneras. Primero, puedes controlar las extremidades de tu personaje animado directamente en tiempo real. El actor realmente controla los personajes digitales. La segunda es que los datos sirven como guía. El animador utiliza el movimiento bruto como referencia y modela y ajusta la animación del personaje en función de esto. Esto hace que incluso los cambios sutiles de peso y equilibrio parezcan reales.
Ambos métodos se basan en la misma lógica básica de jerarquía y cinemática inversa. Ya sea que estés construyendo desde cero o capturando una actuación, el objetivo es el mismo. Haz que tu computadora se comporte como un humano.
Estas técnicas se combinan en el largometraje. No se trata sólo de que el personaje camine. Se trata de permitirles existir en el mundo.
