Lata 90. to nie tylko dekada mody i gitar grunge. To była złota era R&B z lat 90., czas, kiedy gładkie linie wokalne zderzały się z uliczną śmiałością. To była specyficzna fuzja dźwiękowa: emocjonalna głębia duszy połączona z rytmicznym rytmem hip-hopu. Ta fuzja nie tylko brzmiała cicho w tle. Przejęło fale radiowe. Królowała na parkietach.
Producenci tacy jak Jimmy Jam i Terry Lewis odegrali kluczową rolę w tej zmianie. Pomogli artystom zatrzeć sztywne granice pomiędzy tradycyjnym R&B a rodzącą się duszą hip-hopu. W tej epoce, jeśli twój debiutancki album okazał się hitem, twoje następne wydawnictwo musiało udowodnić, że nie jesteś cudem jednego hitu. Stawka była wysoka. Produkty pojawiały się ciągłym strumieniem. Otrzymaliśmy utwory, które tworzą nastrój. Mamy przejmujące ballady. To był czas, kiedy muzyka wydawała się ciężka, prawdziwa i niezaprzeczalnie fajna.
Hip-hopowa formuła duszy
Nie można mówić o tej ewolucji bez wskazania na Mary J. Blige. Ona nie tylko śpiewała; ponownie skalibrował cały standard branżowy. Jej przełomowy utwór „Real Love” stał się głównym szablonem hip-hopowej duszy. Blige nałożyła swój uduchowiony wokal z zabarwieniem gospel na klasyczne hip-hopowe breakbeaty – szczególnie w utworze „Top Billin’” Audio Two. Wynik był niezaprzeczalny.
Jej debiutancki album What’s the 411? wysunął te surowe emocje na pierwszy plan. Nie był wypolerowany na wysoki połysk. Był niegrzeczny. Bity były mocne, a uczucia głębokie. To połączenie ukoronowało ją na królową tego brzmienia.
Teddy Riley zdefiniował już początki tego crossovera z nu-jack swingiem, ale hiphopowa dusza wygładziła rogi. Był mniej wybredny, bardziej przyziemny. Można powiedzieć, że to dusza w butach Timberland. Zachował rytm, ale dodał wagi.
Klipy wideo stworzyły gwiazdę
Dźwięk to tylko połowa sukcesu. W latach 90. element wizualny był niezaprzeczalny. Teledyski nie tylko promowały piosenki; stworzyli ikony. Wizualna opowieść pasowała do innowacji dźwiękowych, tworząc kompletny pakiet, obok którego fani nie mogli przejść obojętnie.
Lata 90. przyniosły nam coś więcej niż tylko redakcje radiowe. Oficjalny teledysk stał się równie ważny jak sama piosenka.
„Knockin’ Da Boots” H-Town to coś więcej niż tylko powolny utwór. Ma klimat późnego wieczoru, uzupełniony jedwabistym oświetleniem i jedwabnymi koszulami w ramach.
Missy Elliott odwraca scenariusz za pomocą klipu przypominającego krótki film science-fiction. En Vogue, Destiny’s Child i Janet Jackson zamieniły swoje hitowe single w minifilmy. Te klipy sprzedają wizerunek, tożsamość i styl.
Poza hitami: utwory z albumu, które trafiają w sedno
Chociaż pierwsze miejsca na listach przebojów są ważne, albumy takie jak „Brown Sugar” D’Angelo i „Maxwell’s Urban Hang Suite” Maxwella pomogły ukształtować ruch neo-soulowy. Były to zaproszenia do zadymionych pokoi, gdzie teksty liczyły się równie mocno, co rytmika.
Niektórzy artyści nadal zmieniają się, ale podobnie jak Mark Morrison w przypadku „Return of the Mack” zapracowali sobie na miano „cudów jednego przeboju”. Jednak w tych utworach można znaleźć także słodkie harmonie i swing charakterystyczny dla epoki.
Zamknij powiązania pomiędzy R&B, popem i hip-hopem
R&B nie istnieje w izolacji. Mariah Carey zaciera granice dzięki wokalom gotowym do remiksów. Boyz II Men zrobił crossover z hitowymi balladami. „Ex-Factor” Lauryn Heel uderza równie mocno, jak każda rapowa piosenka, a ścieżki dźwiękowe do filmów „Exhale” i „Boomerang” obfitują w nazwiska Whitney Houston i Toni Braxton.
Producenci tacy jak Timbaland i Babyface stworzyli stylowe pejzaże dźwiękowe R&B, które zdefiniowały ten gatunek, często współpracując z czołowymi wokalistkami tamtej epoki, aby stworzyć hity. Ta synergia była tak potężna, że zespoły takie jak Dru Hill i Jagged Edge również odniosły sukces zarówno na listach przebojów muzyki pop, jak i na ulicach.
30 lat później: dlaczego to nadal ma znaczenie
Trzydzieści lat później ten język wizualny nadal definiuje sposób, w jaki konsumujemy muzykę. Nie słyszysz już tylko uderzenia. Oglądasz to. Ta era pokazała nam, że styl jest częścią piosenki.
Spójrz na współczesnych artystów. Nadal opierają się na konceptualnych obrazach wizualnych, aby promować swoją tożsamość. Nie chodzi tylko o melodię. Chodzi o świat, w którym ta melodia istnieje. Lata 90. to osiągnęły
Dziesiątki lat później te podobieństwa dźwiękowe są nadal silne. Kiedy słyszę „Candy Rain” lub „Freak Me”, od razu wpadam w wzruszenie. To szczególna atmosfera wilgotnej letniej nocy i zatłoczonej podziemnej imprezy z bijącym sercem basem. Jodeci nie tylko śpiewa. Zajmują przestrzeń pomiędzy surowymi emocjami a dopracowanym rzemiosłem. Szczególnie głos KC ma spokojną powagę niedzielnego poranka po chaotycznej sobotniej nocy. Oczywiście byłem zmęczony, ale jednocześnie poczułem głęboką ulgę.
Ten dźwiękowy ślad pozostaje nawet dekadę później. Zeszło do podziemia, a następnie pojawiło się w twórczości współczesnych artystów. Artyści tacy jak H.E.R. i Brent Faiyaz zgadzają się. Pochodzą z tych samych korzeni i chłoną melancholię i rytm, który udoskonalił Joe Deci. Lata 90. dały nam coś więcej niż tylko nostalgię. To one tworzą nastrój i oferują szablon muzyki tanecznej, która nie poświęca serca dla pasji. Wciąż jest w tym sporo głębi. Dusza wciąż tu jest, tylko w innym ubraniu.
Ten artykuł został zbadany przy użyciu sztucznej inteligencji i sprawdzony przez redaktorów HowStuffWorks.